Dein erstes Album Fauna wurde 2008 veröffentlicht, und Audition Day war deine erste Single. Hatte das auch einen Bezug zu deiner Ballettkarriere? Als Zehnjährige wurdest du an der Königlichen Ballettschule aufgenommen, musstest jedoch mit 18 aufgrund einer Rückenverletzung aufhören.

„Ja, tatsächlich. Audition Day handelt ganz vom wettbewerbsorientierten Umfeld der Ballettschule, in dem man ständig beurteilt wird. Eine Zeile aus der Single lautet: ‚We can’t laugh no more when the smiley face boss is walking in the corridor.‘ Ich spreche von einer bestimmten Lehrerin. Sie sagte immer: ‚Put ooon a smiley face‘“, sagt Nanna Øland Fabricius und zieht dabei ihre Zeigefinger von den Mundwinkeln nach oben, um ein fröhliches Clownsgesicht zu veranschaulichen. „Das war auch ihr Lieblingssatz, wenn deine Füße bluteten und du es kaum noch geschafft hast. The show must go on war immer oberstes Gebot. Es war ein hartes Umfeld, und wir waren nur Kinder. Ich bin mit einer Nummer auf dem Rücken aufgewachsen, und jedes Jahr gab es zwei Möglichkeiten: zu bleiben oder rausgeworfen zu werden.“

Wie hat dich dieser Hintergrund beeinflusst?

„Ich glaube, das ist etwas, wofür ich noch immer bezahle. Ich habe gerade zwei Konzerte mit einer heftigen Lungenentzündung gegeben und nicht einmal daran gedacht, abzusagen. Und natürlich hätte ich das tun sollen. Das Ballett hat mich gelehrt, auf einem völlig anderen Niveau zu performen.“

Glaubst du, dass Musik Teil deines Heilungsprozesses war?

„Fauna handelt von Transformation und davon, wie man damit zurechtkommt – sowohl in Bezug auf die Schmerzen, die ich durch meine Rückenverletzung durchlebt habe, als auch auf die Identitätskrise, die ich erlebt habe. Davor wusste ich ganz genau, was ich wollte, und plötzlich gab es überhaupt keinen Plan mehr. Es ist nicht leicht, das eigene Gehirn dazu zu bringen, sich auf etwas anderes zu konzentrieren, wenn man so fest entschlossen ist. Es hat lange gedauert, diese Wunde zu heilen, und mein erstes Album war Teil dieses Heilungsprozesses.“

Was geschah, als du diese Nachricht bekommen hast?

„Es war ein langer Prozess, und nach zwei Jahren des Kämpfens sagte mir ein Arzt, dass ich nicht mehr professionell tanzen könne. Ich glaube, ich musste diese Nachricht hören, und gleichzeitig war es die schlimmste Nachricht, die ich bekommen konnte. Ich war sowohl erleichtert als auch am Boden zerstört. Denn es war ein harter Kampf, und er war es überhaupt nicht wert. In diesem Prozess hatte ich zeitweise das Gefühl, meine Würde zu verlieren.“

„Beim Tanzen war ich mehr daran interessiert, mich ‚unschön‘ zu bewegen. Das war auch der Grund, warum ich mich nach und nach mehr für modernen Tanz interessierte. Ich hatte nie den Traum, die Schwanenprinzessin zu sein. Wenn ich zurückblicke, sehe ich, dass ich mehr daran interessiert war, meine eigenen Märchen zu erschaffen.“

War dieser Ansatz im Ballett jemals ein Problem?

„Ja, das war ein Problem. Ich habe oft Ärger bekommen, weil ich abgelenkt war und in meiner eigenen Realität lebte. Zum Beispiel wurde ich mehrfach dafür gerügt, den anderen die Aufmerksamkeit zu stehlen. Ich habe mir eine Welt ausgedacht, die ich die Hahn-und-Säbelschnäbler-Welt nannte. Meine Freundin war der Säbelschnäbler, und ich war der Hahn, und ich erinnere mich, wie wir in der Umkleide während der Mittagspause den Säbelschnäbler-See – statt Schwanensee – geprobt haben. Das ganze Team hat mitgemacht, und ich bekam so viel Ärger dafür, weil ich das organisiert hatte, obwohl wir eigentlich zu Mittag essen sollten. Ich erinnere mich noch, wie ungerecht ich das fand. Es lag nicht daran, dass ich in der Ballettschule unglücklich war – ich passte einfach nicht in die damals vorherrschenden Normen.“

Deine Eltern sind beide Musiker, daher war eine musikalische Karriere vielleicht schon vorbestimmt. Wie hat dich dieser Hintergrund geprägt?

„In meiner Familie gab es immer viel Raum für Vielfalt. So sehr, dass Dinge, die als ungewöhnlich galten, bei uns als ganz normal angesehen wurden. Ich habe mich erst anders gefühlt, als ich in die ‚echte Welt‘ hinausging und merkte, dass wir vielleicht doch nicht so normal sind. Eine Zeit lang war ich ziemlich fasziniert von allem, was normal und streng wirkte, weil mein Zuhause so chaotisch und kreativ war. Ich habe immer nach Kontrasten gesucht.“

Deine Mutter ist Opernsängerin und dein Vater Komponist – und du hast mit beiden an mehreren deiner Alben eng zusammengearbeitet. Welche Rolle spielen sie in deiner Karriere?

„Früher war meine Mutter die Kritische, während mein Vater immer mein größter Unterstützer war. Völlig unkritisch – und das war gut so. Man könnte denken, dass diese bedingungslose Unterstützung sich negativ auf mich ausgewirkt hätte. Aber tatsächlich hat sie mich kritischer gemacht. Weißt du, was ich meine?“, sagt sie lachend.

Du arbeitest eng mit deinem Mann Adi zusammen – was habt ihr musikalisch gemeinsam?

„Ich habe mich durch die Musik in ihn verliebt. Ich hatte sofort das Gefühl, dass wir uns durch die Musik verstehen und einander folgen können. Wir waren von Anfang an auf derselben Wellenlänge und hatten gleichzeitig dieselben Gedanken. Ich bin nicht immer so gut mit Worten – sie können so konkret sein. Durch die Musik hatte ich das Gefühl, dass ich auf einer Ebene mit ihm kommunizieren und ihn verstehen kann, wodurch wir uns sehr schnell füreinander geöffnet haben.“

Beziehst du deine Kinder in deine Musik ein?

„Weil es für uns eine so natürliche Art zu kommunizieren ist, fühlt es sich auch ganz selbstverständlich an, unsere Kinder einzubeziehen und mit ihnen zu spielen, zu singen und zu tanzen. Aber erst seit Kurzem weiß mein siebenjähriger Sohn, dass ich auch eine öffentliche Person bin. In letzter Zeit waren sie bei meinen Konzerten dabei, und beide fühlen sich sehr wohl, wenn sie auf die Bühne gehen. Ich denke, das ist eine großartige Erfahrung für sie – weil sie ihnen später in vielerlei Hinsicht zugutekommen kann.“

Du hast einmal gesagt, dass Geräusche zu dir kommen und sich danach in Musik verwandeln – wie?

„Ich höre überall Rhythmen und beginne sofort, nach Klangmustern zu suchen. Das kann ziemlich nervig sein, weil ich manchmal nachts nicht schlafen kann. Wenn der Wasserhahn tropft, hat das einen Rhythmus. Dum da dit dit dum. Und dann fange ich an zu zählen. Oder wenn ich einen Vogel singen höre, beginne ich, die Sekunden zwischen den einzelnen Tönen zu zählen. Das macht es mir leicht, Musik zu erschaffen, aber es bedeutet auch, dass ich nie wirklich entspannen kann. Vielleicht habe ich da ein bisschen OCD.“

Im April wurde deine Single Bleeed veröffentlicht, und im September erscheint dein neues Album. Worauf liegt der Fokus?

„Auf diesem Album war mir das Songwriting besonders wichtig, mit einem speziellen Fokus auf das Storytelling. Außerdem war es wichtig, die Produktionen einfach und fließend zu halten – um den Worten noch mehr Raum zu geben. Einige der Songs sind in den Frustrationen meines eigenen Alltags verwurzelt. Ich versuche, Dinge zu hinterfragen, die für mich keinen Sinn ergeben, auch in Bezug auf die Gesellschaft. Gleichzeitig liegt ein Fokus auf dem Beat. Ich wollte, dass die Füße die Botschaft verstehen, bevor der Kopf es tut. Ich glaube, dass Musik und Worte am besten über den Körper wahrgenommen werden.“

Zusammengefasst: Vom Ballett zur Musik – was ist deine wichtigste Erkenntnis?

„Ich habe gelernt, dass es immer ein Danach gibt. Jedes Mal, wenn ich denke, dass dies das Ende ist und das Leben nicht weitergehen kann, geht es irgendwie doch weiter. Das hat mir eine größere Offenheit und Demut gegenüber der Zukunft gegeben. Denn ich weiß, dass ich nichts darüber weiß, was passieren wird.“